Qué ver en las galerías de Nueva York en mayo

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¿Quieres ver nuevo arte en la ciudad? Echa un vistazo a las esculturas de Natia Lemay en Yossi Milo y el trabajo de Aria Dean en Greene Naftali. Y no te pierdas las pinturas de Aliza Nisenbaum en el Museo de Queens.

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Por Martha Schhrender, Travis Diehl, Will Heinrich, Max Lakin y Blake Gopnik

reinas

Hasta el 10 de septiembre. Queens Museum, New York City Building, Flushing Meadows Corona Park, Queens; 718-592-9700; queensmuseum.org.

Aliza Nisenbaum creció en México y ahora vive en Nueva York. Lo mismo ocurre con muchas de las personas en Corona, Queens, a quienes ha pasado años pintando en sus hogares y lugares de trabajo, en su estudio en el Museo de Queens o mientras estaban inscritas en una clase que alguna vez impartió llamada "Inglés a través de la historia del arte feminista". La maravillosa "Reinas, Lindo y Querido" del museo, una amplia muestra de su trabajo, incluye retratos de empleados de Delta Air Lines y Port Authority; de Hitomi Iwasaki, curadora de la muestra, en su oficina llena de plantas; y de una clase de arte que Nisenbaum ofreció a los voluntarios de la despensa de alimentos en el museo, exhibida junto con una selección de las propias obras de los voluntarios ("El Taller, Museo de Queens").

Vale la pena mencionar todo esto porque el interés de Nisenbaum en las personas, su necesidad de conectarse con ellas, no solo brinda contenido a sus pinturas, sino que se manifiesta en su forma. Realistas pero con colores realzados y planos planos, son hogareños y glamorosos a la vez, capaces de absorber cualquier número de detalles idiosincrásicos. "El Taller" (The Workshop) presenta a 10 artistas en ciernes, cinco trabajando en autorretratos con la ayuda de pequeños espejos, contra las neblinas púrpuras irreales de Flushing Meadows Corona Park. Y luego están las pinturas dentro de la pintura, cada una con su propio estilo distintivo, sin mencionar 19 juegos ingenuos y multicolores de "cadáver exquisito". Es un tributo a la generosidad de Nisenbaum, ya sus habilidades con la composición, que todo habita en una sola habitación en armonía. HEINRICH

chelsea

Hasta el 17 de junio. Yossi Milo, 245 10th Avenue, Manhattan; 212-414-0370; yossimilo.com

Tres diminutas esculturas, cada una de menos de 10 pulgadas de alto, llenan toda la sala psíquica en el solo de Natia Lemay en Yossi Milo.

Apila versiones en miniatura de muebles banales (una silla, un sofá, un caballo balancín) pegados uno encima del otro. Talladas en esteatita, copian las miniaturas de madera blanda que los niños construyen a partir de kits de casas de muñecas.

Lemay nació en medio de las dificultades en Toronto, con raíces en la cultura afrocanadiense y entre los pueblos Mi'kmaq de la costa este de Canadá. Sus artículos genéricos para el hogar parecen conmemorar los difíciles años que pasó moviéndose entre viviendas públicas, refugios para personas sin hogar y alquileres de bajo costo. Pienso en sus esculturas como "torres de la memoria", y su diminuta escala parece concentrar sus energías en lugar de disminuirlas. (¿No se sienten siempre pequeños los recuerdos, lo suficientemente pequeños como para caber en una calavera?)

Lemay vincula sus torres con el arte nativo del tótem, lo que tiene sentido en términos de su forma y función mnemotécnica.

La esteatita que usa, parte de la cual le llegó de su padre, también recuerda la artesanía indígena. Usando ese material para representar el mundo urbano problemático que ha conocido, Lemay lo reclama como su derecho de nacimiento continuo. Ella lo recupera de las décadas que ha pasado en el comercio turístico.

También hay 20 pinturas al óleo en la muestra de Lemay. Para mí, aceptan la autoridad de la tradición de los viejos maestros en lugar de oponerse a ella. Pero claro, me siento así con respecto a la pintura más reciente. Las fabulosas pequeñas esculturas de Lemay parecen más bien granadas de mano preparadas para abrir un agujero en nuestras jerarquías. BLAKE GOPNIK

chelsea

Hasta el 17 de junio. Greene Naftali, 508 West 26th Street, 8.º piso, Manhattan; 212-463-7770, greenenaftaligallery.com.

La joven artista y teórica Aria Dean es conocida por sus ensayos que conectan la negritud, la objetualidad y la cultura digital. (Sus escritos seleccionados, "Bad Infinity", se estrenan este verano). Es bueno recordar esto, ya que desde el momento en que pasas por las puertas del salón rosa chicle en Greene Naftali, un trabajo inexpresivo titulado "Pink Saloon Doors", el las esculturas pulidas y las impresiones digitales a la vista parecen escasas y crípticas, desafiantemente superficiales. Se omite algo. Esta muestra se basa en el pensamiento dinámico de Dean (o, con menos generosidad, ilustra los puntos que ha hecho en la página) con respecto a la facilidad con la que circulan las imágenes de baja fidelidad, aunque los no iniciados también pueden apreciar su versión fría y cínica del arte comercial.

La escultura "FIGURA A, Friesian Mare", un bulto gris brillante y arrugado en una paleta de envío, evoca una especie de cubo minimalista destrozado o estatua ecuestre compactada, distorsionando sutilmente la conexión entre el formalismo rígido y el cuerpo del espectador. Las implicaciones de tratar a los seres vivos como mercancías son brutales.

Las otras cuatro obras expuestas son impresiones de sublimación de tinta lujosamente altas sobre aluminio, tres o cuatro paneles cada una, que representan... ¿qué? Desde la distancia, borrones y manchas, un cielo, formas que pasan a gran velocidad, pero ampliadas y ampliadas hasta tal punto que son básicamente abstractas, salpicadas de píxeles perdidos. De hecho, el proyecto de Dean podría resumirse en la exploración de la abstracción de la violencia que provoca o posibilita. La astucia taciturna de este espectáculo provoca una reacción incómoda: ¿No hay sentimiento aquí? ¿Sin dolor? ¿Sin humanidad? TRAVIS DIEHL

Lado este superior

Hasta el 26 de mayo. Acquavella, 18 East 79th Street, Manhattan; 212-734-6300, acquavellagalleries.com.

Una muestra caleidoscópica de las pinturas de Pierre Bonnard en Acquavella se superpone con una selección más modesta en la cercana Galería Jill Newhouse, nada mal para un pintor prácticamente alucinante que murió en 1947. Bonnard unió el posimpresionismo y el modernismo; es famoso por sus colores, alucinantes y vertiginosos, que despliegan el espectro completo en escenas que otros podrían ver como "blancas" o "azules".

Donde los impresionistas tenían sus catedrales o nenúfares favoritos, las obras maestras de Bonnard cobraron vida en casa. Acquavella se centra en sus últimos años, desde la década de 1920 hasta la de 1940, y muestra las maravillas de las mesas puestas con sencillez, las cestas de frutas equilibradas y los paisajes fantásticos que se precipitan a través de las ventanas. "Comedor en el jardín", 1934-35, prestado por el Museo Guggenheim, ocupa un lugar de honor en la pared del fondo: un banquete púrpura, el cielo febrilmente azul verdoso a través de las puertas francesas, las paredes en tonos heno superando el sillas, una figura.

También hay retratos, que incluyen una escena de un baño de bígaros (una de las especialidades de Bonnard), donde la alfombra roja empuja la paz de la composición, y un desnudo largo y seductor de 1920, donde la figura es una raya en el lienzo entre pasajes verticales de moteado. dorado y azul chevron. ¿Las naturalezas muertas? Abundante. Los manteles? Extático. La cinética de las composiciones de Bonnard reside en la forma en que los objetos y los animales se relacionan, apareciendo a la vez separados y sin límites. Por eso es un pintor de perros salchicha sin igual, aunque aquí tendrás que conformarte con los tonos chocolate más perezosos de "The Dining Room, Fruit and Basset Hounds". TRAVIS DIEHL

Lado este superior

Hasta el 2 de junio. Di Donna, 744 Madison Avenue, Manhattan; 212-259-0444, didonna.com.

Man Ray retrató a los artistas y escritores del París de las décadas de 1920 y 1930 de forma tan indeleble como Nadar lo hizo con sus predecesores del siglo XIX. De hecho, la fotografía de Marcel Proust en el lecho de muerte de Man Ray es un complemento apropiado para la de Victor Hugo de Nadar. Pero Nadar, cuando conmemoró al titán literario de Francia en 1885, era él mismo una venerable institución parisina, mientras que Man Ray, que corrió al apartamento de Proust en 1922 a instancias de Jean Cocteau, era un estadounidense que hablaba un francés terrible y había estado viviendo en París. durante poco más de un año.

La maravilla de "Retratos de París de Man Ray, 1921-1939" es su acceso y su arte. Antes de mudarse, Man Ray se había hecho amigo de Marcel Duchamp y Tristan Tzara, dos artistas de vanguardia. Facilitaron su entrada en París y se encuentran entre los temas de esta exposición de 72 grabados antiguos, en su mayoría extraídos de la colección de Timothy Baum, un comerciante de arte privado que conoció a Man Ray en los últimos años de su vida y colaboró ​​en esta muestra.

Man Ray halagaba a sus súbditos. Para suavizar las arrugas y otras imperfecciones, normalmente filmaba con una lente larga desde la distancia y sobreexponía ligeramente la película. Sin embargo, sus retratos fueron profundamente reveladores: los ojos conocedores de la poeta Anna de Noailles, la mirada vidriosa del perennemente encurtido Sinclair Lewis, la corpulenta contundencia de un joven Alexander Calder. Y luego está su autorretrato, tomado a mediados de los 30: la corbata intencionalmente torcida, los ojos penetrantes y la boca en una línea de determinación imparable. ARTURO LUBOW

chelsea

Hasta el 17 de junio. Nicola Vassell Gallery, 138 Tenth Avenue, Manhattan. 212-463-5160; nicolavassell.com.

En su primera exposición individual en la Galería Nicola Vassell, la pintora autodidacta Uman, que nació en Somalia y ahora vive cerca de Albany, prácticamente toma el lugar. En las paredes de la galería pintadas de color verde oscuro, púrpura o dorado, ha montado 15 pinturas cuadradas enormes, vibrantes e incesantes, cada una enmarcada en una caja de sombra oscura producida en su estudio, e incluso más dibujos pequeños. (No en vano, el espectáculo se titula "Lo quiero todo ahora".) Los colores de las pinturas son audaces y saturados, y sus texturas van desde pinceladas húmedas y resbaladizas hasta el deslizamiento vacilante de la barra de aceite. Sus formas comprenden principalmente círculos, garabatos y cuadrados, pero también algunos ojos, flores, soles, dientes puntiagudos y sugerencias ambiguas de intestinos, sillas o vértebras. Las referencias son tanto transculturales como históricas del arte, pero el efecto, en general, se inclina hacia el textil; un lienzo amarillo, dividido en un entramado triangular por líneas verdes y rojas, también se cose a partir de retales triangulares. En otro, lo que parece un caballito de mar transparente se alza sobre una botella claramente etiquetada como "Eau de Parfum".

Sin embargo, en cierto modo, Uman es minimalista. Sus gestos, como las flores esquemáticas que le permiten reclamar un punto de apoyo en la figuración, son siempre claramente eficientes. Los lienzos se pueden cubrir de borde a borde, pero la aplicación de pintura es delgada y en el momento en que se logra un efecto explosivo, pasa al siguiente. HEINRICH

tribeca

Hasta el 3 de junio. 125 Newbury, 395 Broadway, Manhattan, 212-371-5242, 125newbury.com.

"Descubrí el secreto del mar en la meditación sobre una gota de rocío", escribió el pintor y poeta de origen libanés Khalil Gibran. Sylvia Plimack Mangold aborda la pintura de la misma manera. Quince obras expuestas en 125 Newbury representan un solo árbol de arce que vive fuera de su estudio en Washingtonville, Nueva York, que ha estado pintando durante décadas.

Muchas de las pinturas aquí se titulan "Hojas en el viento" y capturan un verano lleno de verdor representado, en primer plano, con pinceladas exuberantes pero sensatas que recuerdan a Fairfield Porter o Édouard Manet, así como a Claude Monet y su retrato nítidamente enmarcado. composiciones de nenúfares. Otras obras, tituladas "Winter Maple", funcionan como paisajes celestes de color azul polvoriento bifurcados por ramas sin hojas de color marrón grisáceo.

El "secreto" del árbol, por supuesto, es que cambia constantemente y, por lo tanto, produce infinitas variaciones. (Si, de hecho, es el mismo árbol. Tenemos que confiar en Mangold en esto, aunque la famosa pintura de Magritte de 1929 "La traición de las imágenes", comúnmente conocida como "Ceci n'est pas une pipe" o "Esto no es un pipa", ofreció una lección contundente sobre cómo opera la verdad en la pintura.)

En manos de Mangold, las partes se convierten en totalidades y la exposición en una clase magistral de sinécdoque: el árbol es el bosque; el pintor un representante humano que negocia con el mundo natural. En una era de movimiento inquieto y demasiada información, la práctica de pintar un solo árbol también se convierte en un acto profundo, incluso radical, de atención plena, meditación y cuidado. MARTA SCHWENDENER

chelsea

Hasta el 3 de junio. Miles McEnery Gallery, 515 West 22nd Street, Manhattan; 212-445-0051; milesmcenery.com.

La artista Beverly Fishman ha estado pensando en la cura de lo que nos aqueja durante los últimos 40 años. Sus construcciones de colores dulces existen en algún lugar entre la pintura, la escultura y el mal viaje: estimulantes y relajantes que pulsan en tonos alegres y fluorescentes: un botiquín repleto de remedios para ser humano.

El nuevo trabajo aquí, que continúa su serie de formas de madera facetadas con revestimiento de uretano que sobresalen de la pared (un juego divertido sobre la idea de "relieve"), es una solución a la figuración: sobre el cuerpo pero nunca representándolo, abstracción geométrica. como una finta para hablar de la cultura contemporánea, y de lo que ingerimos para afrontarla. Combinan la síncopa dura de Frank Stella con el movimiento Finish Fetish del sur de California, lo que da como resultado superficies lustrosas con un zumbido eléctrico y un tono suave, como Everlasting Gobstoppers sumergidos en pintura de automóvil. Cada píldora se presenta en bandas concéntricas para que parezcan iris inquietos y policromáticos, o los dulces brillantes de Wayne Thiebaud, si Thiebaud pintara íconos de dolor existencial rodeados de sorbete.

Solo sus títulos, que se duplican como diagnósticos, revelan su maldad, como en "Sin título (Osteoporosis, Aborto, Depresión, Ansiedad, Control de la natalidad)", 2023: curación dictada por el complejo médico-industrial, la promesa de una solución rápida y el drogodependencia que esa promesa ha alentado.

"Cuatro te ayudan a pasar la noche, ayudan a minimizar tu difícil situación", canta Mick Jagger en "Mother's Little Helper", la animada canción de los Stones sobre un ama de casa que desarrolla un hábito de Valium. Desde entonces, el espectro farmacológico solo se ha vuelto más florido. Eso le da a Fishman una caja de pastillas inagotable, sus dosis están calibradas para los síntomas que nunca disminuyen. MAX LAKÍN

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Hasta el 24 de junio. Gagosian, 821 Park Avenue, Manhattan; 212-796-1228, Gagosian.com

No puede haber muchos artistas cuyas obras sean tan famosas en los libros de texto y tan raramente encontradas como las de Chris Burden. No podemos esperar ver repeticiones de las actuaciones de la década de 1970 por las que lo clavaron a un Volkswagen Beetle o le dispararon en el brazo con un .22. Murió en 2015, e incluso cuando estaba vivo, fueron casos únicos. Pero esta rara muestra de Burden presenta otros ejemplos de las obras radicales de los angelinos de la década de 1970. Cambiaron los límites del arte, lo que hace que ahora parezcan "artísticos" y dignos de una galería.

El espectáculo reúne varias de las "reliquias" (término de Burden) destinadas a representar sus actuaciones: una vitrina vacía representa "Disappearing", una pieza para la que se esfumó durante tres días; un teléfono y una grabadora representan "Wiretap", para el cual Burden grabó llamadas con marchantes de arte.

También hay imágenes del tiroteo de Burden y de "Bed Piece", una actuación muy conocida que lo tuvo acostado en una galería durante 22 días.

Más sorprendentes son los "comerciales de televisión" de un minuto que permiten a Burden infiltrar el arte en la televisión abierta, después de comprar el espacio publicitario necesario. Uno de ellos, "Divulgación financiera completa", se encuentra en el género Business Art de Andy Warhol, y revela los números de los ingresos y gastos de Burden en 1976, y sus míseras ganancias. En "Chris Burden Promo", los nombres de artistas de fama mundial llenan la televisión uno tras otro: "Leonardo da Vinci", "Michelangelo", "Rembrandt", "Vincent van Gogh", "Pablo Picasso" y luego... "Chris Burden ." Ese nombre final alguna vez habría parecido una broma o una ilusión salvaje, pero ahora vive cómodamente con los demás. BLAKE GOPNIK

chelsea

Hasta el 19 de mayo. Crossing Art, 559 West 23rd Street, Manhattan, 212-359-4333, crossingart.com.

El artista Michael McGrath, que reside en Rhinebeck, en el valle de Hudson, pinta lo que podría llamarse el paisaje emoji: flores que gritan; insectos y árboles de aspecto sorprendido. Dispersos, como papel tapiz, a través de lienzos cuyos títulos hacen referencia a dioses, brujas y hechizos mágicos estacionales, su espectáculo "Moon Riot" en Crossing Art vibra con una energía espiritualista relajada.

El trabajo de McGrath dio un giro radical hace un par de años. (Lo descubrí en Instagram.) Estaba pintando paisajes agradablemente anodinos y figuras oscuras en la línea de Edvard Munch, y de repente su trabajo explotó con color Day-Glo y plantas cantantes, sin ataduras en sus composiciones. Más que serio o apocalíptico, su trabajo es cálido y divertido, como el arte popular o los dibujos infantiles, y se complementa con títulos como "Introducción a la caza de dioses", "Entrenamiento de primavera para brujas", "Rediseño de sistemas fantasma" y "Conferencia de fin de semana para lunas". y pequeños vampiros".

El espectáculo incluye algunos pasos en falso: está volado, y podría vivir sin las figuras de yeti de piel sintética que se sienten más como mascotas de parques temáticos que como esculturas. Sin embargo, el trabajo de McGrath es refrescante porque materializa la maravilla de caminar por el bosque y una sensación más profunda de que el mundo, menos los humanos, estará bien; todo se regenera, como lo hace en la serie de obras maestras de la escuela del río Hudson del siglo XIX de Thomas Cole "The Course of Empire" (1833-1836), que podrían ser las primeras pinturas estadounidenses que advierten del Antropoceno. McGrath ha canalizado algo: tal vez espíritus, tal vez dioses, pero sobre todo el antiartificio de los llamados artistas outsiders, que están conectados a una frecuencia diferente. MARTA SCHWENDENER

Tribeca

Hasta el 20 de mayo. Apexart, 291 Church Street, Manhattan; 212-431-5270, apexart.org.

A partir de fines del siglo XIX, Japón acumuló un imperio que se extendió mucho más allá de sus fronteras contemporáneas. Fue desmantelado después de la rendición del país en la Segunda Guerra Mundial, pero solo porque algo haya terminado no significa que esté olvidado. La exposición "Kanten 観展: Los límites de la historia", comisariada por Eimi Tagore-Erwin, utiliza el trabajo de ocho artistas y postales de propaganda histórica para rastrear las cicatrices dejadas por el Japón imperial.

En su serie de fotografías "Torii", Motoyuki Shitamichi documenta las puertas sintoístas que alguna vez se instalaron para marcar el imperio y ahora se encuentran en otros países. Las imágenes muestran cómo las puertas se han incorporado a su entorno, convirtiéndose en restos mundanos pero inquietantes del pasado.

Bontaro Dokuyama demuestra cómo los legados nacionalistas perduran en las personas. Su video "My Anthem" (2019) presenta entrevistas con ancianos taiwaneses que aún pueden recordar las canciones militaristas que tenían que memorizar cuando eran niños en el coro de una escuela. Las escenas de ellos vistiendo uniformes y cantando son a la vez divertidas y tristes.

Mi pieza favorita, "Haciendo una rosquilla perfecta" (2019), se apoya en el humor como herramienta de reparación. El video presenta al dúo Kyun-Chome tratando de cerrar la brecha entre los lugareños japoneses y el personal militar estadounidense en la isla de Okinawa. Lo hacen al reclutar personas para hacer donas japonesas y estadounidenses a ambos lados de una cerca militar y luego juntar las dos: la pequeña y redondeada dona japonesa encaja, de manera imperfecta, en el agujero de la estadounidense. Su búsqueda absurda se convierte en una metáfora para encontrar formas a escala humana de navegar por la complejidad geopolítica. JILLIAN STEINHAUER

barrio chino

Hasta el 20 de mayo, Sara's, 2 East Broadway, tercer piso, Manhattan; saras.mundo.

¿Qué tienen en común los preppers, los gamers y los religiosos? No menos importante, el gusto por los objetos mágicos. Con "Demonios inorgánicos", el artista con sede en Massachusetts Harris Rosenblum extrae la estética superpuesta de varias subculturas contemporáneas, desde los sobrevivientes primitivos en Instagram hasta los practicantes del juego de rol de mesa "Warhammer". De las vigas cuelgan espadas de anime ridículamente grandes y llenas de bultos; Así dispuesta, la galería, un loft sin terminar en Chinatown, tiene el aire de la sala del tesoro de un LARPer. El armamento y las reliquias incluyen "Pulsera de luto (para Hatsune)", 2022, una fina trenza de fibras cian de una peluca de cosplay de manga; y "Knife", una hoja al estilo de la Segunda Guerra Mundial que se exhibe delicadamente en un estuche forrado con satén de camuflaje rosa.

Estos son los accesorios de las subculturas que, quizás más que la mayoría, se basan en la fantasía. Varias esculturas toman la forma de parafernalia bíblica. Está "El Cordero Sacrificial", una estatua hueca remendada a partir de inquietantes trozos de resina que parecen esponjas; y "Censer (Mechanical Squonk Mod)" hecho con piezas de PC y componentes de vapeo: un vistazo a los cultos comprensivos de los equipos personalizables para fumar y jugar. Rosenblum dedica especial atención a los materiales, como una astilla de madera o de hueso prueba la vida de los santos. Hoy en día, los ritos de los nerds devotos involucran PC e internet rápido, nicotina y comida rápida. En "Earth and New Earth Miku", una figura de Hatsune está impresa en 3D, otra está hecha de arcilla de un sitio de construcción de Wendy's. Se necesita un poco de imaginación para ver más allá de la crudeza de los objetos a la magnificencia de las creencias que anclan. TRAVIS DIEHL

Puerto de South Street

Hasta el 21 de mayo.‌ ‌ Barro‌, 25 Peck Slip, Manhattan; 646-642-2625, barro.cc‌‌

El artista argentino Marcelo Pombo se desvía de la mejor manera: describe la sexualidad humana como actos de especulación e ingenio. "Conceptualismo artesanal: punto de partida" de la galería Barro ofrece el trabajo de los años 80 y 90 de Pombo, quien había huido de la dictadura argentina a Brasil para evitar el servicio militar obligatorio en la Guerra de las Malvinas. Esta es la mitad de la exposición de dos partes, "Dibujos de San Pablo" de Pombo realizada en 1982, que retrata figuras humanas con picos de pájaro u hocicos como ratones, u órganos sexuales en lugar de cabezas. Estas figuras se dedican a todo tipo de miradas y exploraciones corporales desenfrenadas. Es absolutamente refrescante ver las relaciones sexuales como pansexuales en lugar de heteronormativas, o incluso rígidamente homosexuales. Usando figuras de animales como sustitutos, Pombo crea dos criaturas híbridas humano-pájaro con picos húmedos que se acarician ("Sin título, 1982") intensamente eróticas y curiosas.

Simultáneamente Pombo utiliza este vocabulario del surrealismo para hacer palpable el terror de aquella época. Dibuja un hombre-pájaro sangrando en una calle por lo que probablemente sean dos heridas de bala, un perro y dos testigos llorando por esta pérdida.

La otra mitad contiene objetos cotidianos como cortinas y mosquiteros decorados como si Pombo insistiera en reconocer que la belleza suele ir de la mano de la tragedia. Y sus dibujos de textiles, por ejemplo, el de las agujas de tejer, "(1) ST", es tan realista que quiero tocar el papel. Y esa es la clave de este trabajo: el deseo de tocar y de conocer tocando. SEPH RODNEY

Lado este superior

Hasta el 25 de mayo. Alexandre, 25 East 73rd Street, Manhattan; 212-755-2828, www.alexandregallery.com.

El primer estudio completo imperdible en un cuarto de siglo del gran pintor modernista estadounidense Arthur Dove (1880-1946) es una exhibición deslumbrante con el peso de un museo comprimida en una galería del Upper East Side del tamaño de un apartamento de una habitación. Con 40 obras, más de la mitad de ellas pinturas, todas prestadas de colecciones privadas, la muestra esboza hábilmente la trayectoria profesional de Dove, desde ilustradora de revistas de Manhattan, a impresionista de París, a pintora completamente abstracta, algunos dicen que la primera de este tipo en los Estados Unidos. estados

De lo que sí era seguro era del gran trascendentalista visual del modernismo americano. Sus imágenes de nubes de lluvia derretidas y amaneceres a la vista de Dios son visiones del mundo natural tal como Thoreau podría haberlo visto y, lo que es más importante, sentido. Dove siempre decía que la meteorología —la "sensación de luz"— que pintaba era personal e intuitiva. Y solo un poco más objetivas fueron sus representaciones de las fuerzas que vio como amenazas a esa luz: imágenes de grúas, vagones de carga y barcazas de ceniza que evocaban una plaga en expansión de la industria y la contaminación.

El arte de Dove, a pesar de sus exaltaciones, es duro y complejo, como queda claro a simple vista en el espléndido catálogo razonado de Debra Bricker Balken. Y aunque su reputación creció constantemente en el mundo del arte de Nueva York, ese mundo no era el que realmente le importaba. Durante años vivió en un velero amarrado en Long Island. Y pasó sus últimos años en una antigua oficina de correos de una habitación convertida, un espacio probablemente no muy diferente en tamaño de aquel en el que está instalada esta galería, una de las mejores de la temporada. CHAVETA HOLANDA

barrio chino

Hasta el 18 de mayo. Jenny's, 9 Pell Street, Manhattan; 646-861-1581, jennys.us.

Ha pasado más de una década desde que Nueva York vio una de las grandes instalaciones hiperrealistas construidas por artistas como Mike Nelson, Christoph Büchel, Gregor Schneider o Justin Lowe y Jonah Freeman. Estos grandes y psicodélicos asuntos de la casa de la risa funcionaban como escenarios de películas surrealistas, a la Luis Buñuel o David Lynch, y venían con advertencias y exenciones que los visitantes tenían que firmar. El artista nacido en Minneapolis, Pentti Monkkonen, ha creado un ambiente mucho más pequeño pero efectivamente inquietante con su nuevo espectáculo, "Oscillator".

El escenario es una oficina con paneles de madera, pero las cosas están mal en la oficina. Las estanterías irradian un brillo helado; una polilla gigante esculpida en epoxi cuelga de una pared; una tarjeta Visa antigua ampliada, emitida a King Kong, en otra. Incrustado en la cuarta pared hay una vieja computadora de escritorio equipada con un sintetizador que los visitantes pueden tocar, creando su propia banda sonora retro-futurista. "Oscillator" imita no tanto el cubículo de oficina mínimo contemporáneo como una interpretación alucinógena de una película de Sidney Lumet de los años 70 que involucra contrabando y rehenes.

El medio general aquí es la nostalgia. Algunos accesorios están desactualizados, mientras que otros, como King Kong, se han transformado durante décadas de monstruos de películas a héroes populares peludos. El mundo del arte es igualmente nostálgico: solía abrazar (y financiar) instalaciones épicas; ahora estamos atascados con las "experiencias" inmersivas de Van Gogh o Hieronymus Bosch y las ferias de arte. En este sentido, "Oscillator" sirve casi como un dispositivo mnemotécnico, recordándonos no solo el pasado de la cultura pop, sino también los mundos artísticos perdidos. MARTA SCHWENDENER

Tribeca

Hasta el 13 de mayo. Galería George Adams, 38 Walker Street, Manhattan; 212-564-8480, georgeadamsgallery.com.

En la pintura de Enrique Chagoya "Detención en la frontera del lenguaje" (2023), tres figuras de nativos americanos en una canoa marcada como "Patrulla fronteriza" parecen estar secuestrando a una mujer que tiene la cabeza del pato Donald. Como con una escobilla de goma, la vegetación que flanquea la escena ha sido arrastrada por Chagoya a través de la superficie aún húmeda, creando una falla visual al estilo de Gerhard-Richter. La obra combina elementos pop y abstractos con fuentes históricas, en este caso mediante la reelaboración de la pintura de Charles Ferdinand Wimar de 1853, "El secuestro de la hija de Daniel Boone por los indios". Esta y las otras 13 pinturas, grabados y libros incluidos en "Borderless" brindan una poderosa introducción al método del artista californiano nacido en México de explotar la historia para hacer collages a partir de los restos en un proceso que Chagoya llama "antropología inversa".

El padre de Chagoya trabajó como artista mientras trabajaba para el banco central de México, donde su trabajo diario consistía en identificar moneda falsificada. Siguiendo este ejemplo, Chagoya pasó a estudiar economía antes de dedicarse al arte y al grabado. Estos antecedentes informan "La guía salvaje ilustrada de la teoría económica" (2009-2010), en la que luchan dos figuras parecidas a golem: una hecha de plataformas petroleras con la cabeza de Saddam Hussein proporcionada por su retrato de un billete de dinar iraquí, la otra hecho de piezas de aviones de combate con la cabeza de George Washington procedente de un dólar estadounidense. El mejor trabajo de Chagoya sigue siendo estos formatos de "códice", donde las tradiciones de libros mayas y aztecas precolombinos casi borradas por los colonizadores católicos españoles se hibridan con cómics y se sumergen en alusiones histórico-artísticas. El buen alboroto de Chagoya permanece siempre fresco. JUAN VINCLER

barrio chino

Hasta el 13 de mayo. JTT, 390 Broadway, Manhattan; 212-574-8152, jttnyc.com.

La actitud schlock shock del artista conocido como King Cobra (alias Doreen Lynette Garner) se anuncia con la macabra "Salome's Revenge" (2023): un molde de silicona rosa de una cabeza humana encajada en una cortadora de delicatessen. Entonces, cuando llegas al tondo recubierto con restos gomosos y parecidos a la carne, sabes de qué está hecho. Las esculturas anteriores de Cobra han utilizado técnicas similares para explorar la brutal historia de la experimentación médica en el cuerpo de Black. Aquí, la "carne" contiene "suciedad de la tumba de J. Marion Sims", condenando al pionero de la ginecología en mujeres negras esclavizadas, a menudo sin anestesia.

La exposición, "Carne blanca", imagina el concepto racial de la blancura como una especie de mortadela, una carne abstracta, salpicada de nueces y grasa. La carnicería metafórica de Cobra pregunta si la abstracción es en sí misma un concepto racial. ¿Los hombres blancos inventaron el arte abstracto? ¿Puedes abstraer una obra de arte (o un "logro" médico) del monstruo que la hizo?

El tour de force del programa es un modelo de tamaño real de un tiburón necrótico, remendado con silicona pigmentada, cuentas, tejido para el cabello, malla de acero y cuchillas de afeitar (para los dientes), suspendido en un marco de acero abierto, una clara parodia de Damien. El éxito de taquilla formaldehído de Hirst. El trabajo en una segunda galería incluye una cuerda de rastas rubias y un collar gigante de cuero cabelludo blanco con rastas. Tal vez se necesita este tipo de exageración sangrienta para mostrar a la blancura su propia crueldad. Y si alguna vez hubo pureza en el arte abstracto, la tosca forma de trabajar de Cobra también la rechaza. TRAVIS DIEHL

chelsea

Hasta el 13 de mayo. Cheim & Read, 547 West 25th Street, Manhattan; 212-242-7727, www.cheimread.com.

Las pequeñas pinturas de Peter Shear parecen poemas concisos y desafiantes. La pintura y el título resuenan en la mente y el ojo. Usted decide si estos rebotes mantienen su interés.

El tamaño pequeño es la única constante aquí; de lo contrario, prevalecen las variaciones de color, sugerencia, escala interna y estilo. "Same Day" (2021), la primera pintura de la muestra, aísla una banda corta de líneas blancas escasas y temblorosas y dos formas horizontales estrechas, a mitad de camino en el borde derecho de un campo marrón oscuro. Podría representar muebles de exterior, un centro anterior de interacción humana animada, abandonados en una playa cuando oscurece. Hay una tristeza de fin de verano que es mucho para que una pintura la sostenga, pero lo hace.

Junto a él, en "Door to Door" (2022), Shear prodiga pinceladas cargadas de blanco, azul, marrón y verde en la superficie, para un poco de arroyo del bosque, nieve derretida o playa rocosa. Aunque es un fin en sí mismo, esta obra evoca el género de la pintura-estudio y sus placeres. Y poco después, "Following Sea", que da título al programa, vuelve a ser blanco sobre marrón pero está sólidamente pintado, una sugerencia de cabrillas blancas en el mar o prendas blancas arrastradas por el suelo.

Las pinturas en la pequeña primera galería de la muestra son especialmente fuertes. En los dos espacios más grandes que siguen, es posible que pueda resistir y discutir con más de ellos, al menos por un tiempo. La próxima dirección de Shear puede estar señalada por las formas más sólidamente estructuradas, parecidas a joyas, de "Match". ROBERTA SMITH

SoHo

Hasta el 13 de mayo. Ulterior, 424 Broadway, #601, Manhattan. 917-472-7784; ulteriorgallery.com.

Nunca había visto acuarelas como las de Mamie Tinkler. Las naturalezas muertas de "A Troubling", su segunda exposición individual en Ulterior Gallery, representan textiles densamente estampados, plumas de colores inusuales, espejos, calaveras, rocas curiosas, globos de vidrio y llamas crepitantes. Todas estas cosas se desvanecen imperceptiblemente en parches de color saturado que a veces se leen como continuaciones de las imágenes, como fondos de terciopelo rojo, por ejemplo, o sombras negras profundas, y a veces como una relajación hacia la abstracción. El contraste entre los detalles reproducidos con precisión y los bordes naturalmente suaves de la pintura es sutil, pero se registra como un trasfondo de tensión, incluso de angustia. Es como si Tinkler estuviera usando su medio contra sí mismo.

Esta tensión me pareció muy apropiada en un momento en que muchas viejas certezas se están desvaneciendo. Cosas que solían parecer sólidas, como la ciencia, el periodismo, la plataforma de hielo del Ártico o la democracia liberal, comienzan a parecer más como apariciones pasajeras. Pero también dice algo sobre la percepción y el conocimiento. En la pieza que da título al espectáculo, un pinzón dorado se posa en una ramita sobre un globo celeste azul. Encima y junto a él, como reflejos o posiblemente familiares, dos pinzones más descansan sobre dos globos más, sus puntos destacados indicados por círculos más grandes o más pequeños de papel blanco sin pintar. La ramita "real", al frente, está suelta y borrosa, como una visión o un sueño; la sombra que proyecta es tan nítida como una hoja de afeitar. HEINRICH

tribeca

Hasta el 6 de mayo. Bortolami, 55 Walker Street, Manhattan; 212-727-2050; www.bortolamigallery.com.

En la década de 1930, la modernista angelina Helen Lundeberg presentó un estilo conocido como Post-Surrealismo, un movimiento disidente estadounidense destinado a moderar las imágenes más extrañas de la versión europea (pero no mucho; uno de sus primeros esfuerzos incluye una llave inglesa arrancando un clavo marchito de un estanque carmesí). Por el contrario, los ‌10 lienzos ‌aquí comparten más con la tensión del trabajo que Lundeberg creó contemporáneamente como muralista de la WPA en el sur de California: abstracción geométrica de líneas duras representada en colores lujosos que delinean zonas domésticas. Pero el sentido del espacio de Lundeberg no era del todo rígido, dejando espacio para que la psicogeografía del surrealismo acechara en sus rincones.

Realizada entre 1952 y 1975, la selección aquí se centra en bandas de color vertical, tonos suaves marcados hacia arriba o hacia abajo en el espectro para lograr una interacción enigmática de sombra, planitud y profundidad: una extraña sensación de percepción espacial que choca el clasicismo con las dimensiones ilógicas de de Chirico, sus arcadas vacías atravesadas por la luz sepia-smog de ‌Los Ángeles‌.

Cuando los campos uniformes de Lundeberg se rompen, lo hacen con un efecto seductor: puntuados por bodegones tridimensionales, como en dos versiones del mismo arreglo llamado "El espejo y la concha rosa". La pintura anterior, de 1952, parece borrosa, su pincelada es legible, mientras que la versión posterior, comenzada en el mismo año pero no completada hasta 1969, se enfoca, sus campos suavizados y amplificados. Esta viñeta, una silla simple, un espejo que refleja una bombilla desnuda, fue una a la que Lundeberg volvió durante más de ‌30 años, los contornos de su vida destilados en el plano metafísico. MAX LAKÍN

tribeca

Hasta el 6 de mayo. Chapter NY, 60 Walker Street, Manhattan; 646-850-7486, chapter-ny.com.

Las cerámicas de Erin Jane Nelson parecen curiosamente vivas, no como criaturas reconocibles, sino como formas biomórficas, tal vez microorganismos ampliados a un tamaño visible. Montados en la pared, tienen formas irregulares y curvas y tentáculos cortos y delgados. Casi siempre están agrupados, en parejas o en grupos más grandes, como si cada uno dependiera de los demás para su existencia.

Si ha visto algunas de estas piezas antes, como en la contribución de Nelson a la Trienal del Nuevo Museo de 2021, puede que no le sorprenda que su exposición actual, "Sublunary", se haya inspirado en el pantano de Okefenokee. Hay una oscuridad intencionada en el trabajo de este artista con sede en Atlanta, que también es curador y escritor. Las creaciones de Nelson rara vez son una cosa u otra, sino híbridos que prosperan en el medio.

"Sublunary" muestra las consecuencias de una actuación privada que Nelson realizó en múltiples visitas al Okefenokee. Hay sedas acolchadas con fotografías; un conjunto de 365 montículos de gres vidriado titulados, en conjunto, "Cronomicrobioma" (2023), que podrían representar una especie de calendario abstracto y ritualizado y las cerámicas fijadas a la pared, que aún me intrigan más. Tienen bordes y están cubiertos con una capa transparente de resina similar al agua, por lo que mirarlos recuerda mirar en una serie de piscinas poco profundas.

¿Qué hay adentro? Minimontículos esculpidos, flores y hongos; patrones multicolores; y fotografías reales, a veces de Nelson. Si estas obras de arte complejas estuvieran vivas, las imaginaría como omnívoros que nadan o se escabullen, acumulando fragmentos de pantano y rastros de las experiencias de Nelson a medida que avanzan. JILLIAN STEINHAUER

reinas

Hasta el 6 de mayo. Sra., 60-40 56th Drive, Maspeth, Queens; 347-841-6149, mrsgallery.com.

La fotografía estaba bien encaminada para convertirse en el productor de imágenes del milenio; luego llegaron los teléfonos inteligentes. Ahora estamos tan inundados de imágenes que los artistas tienen que trabajar como archivistas para abrirse camino en el pantano. Sarah Palmer, una artista con sede en Brooklyn, hace esto usando imágenes de catálogos antiguos, archivos de la Biblioteca Pública de Nueva York, diapositivas compradas en eBay e imágenes generadas por IA para crear fotomontajes. Los resultados curiosos y asombrosos están a la vista en "The Delirious Sun" en Mrs.

El reciclaje y la reutilización son esencialmente el tema de la obra, inmediatamente evidente en el revoltijo y la yuxtaposición de fragmentos de imágenes. Pero Palmer se burla de algunas líneas, como la forma en que se representa el cuerpo femenino en la fotografía. En "Age of Earth and Us All Chattering" (2022), un ensamblaje teñido de un naranja espeluznante, fotos recortadas de un catálogo de bondage vintage se sientan junto a una representación de IA de una rubia vivaz. Las imágenes de la revista bondage están pegadas con cinta rosa fuerte a una fotografía de paisaje del oeste americano tomada por Palmer y refotografiada. "Under the Tangled Forest" (2023) rima visualmente con cabello humano, cinta adhesiva y cintas; otras obras presentan una escultura de un torso femenino y primeros planos del vientre embarazado de la artista.

Palmer codifica los códigos de la fotografía que nos dicen qué, cuándo y por qué se produjo una imagen, que es lo que también hace la IA. Sin embargo, al poner su propio cuerpo en la imagen, Palmer nos recuerda que hacer, elaborar y contemplar fotografías sigue siendo una empresa profundamente humana y encarnada, incluso en un momento en que las máquinas, una vez más, parecen estar tomando el control. MARTA SCHWENDENER

chelsea

Hasta el 6 de mayo. Templon, 293 10th Avenue, Manhattan. 212-922-3745; templon.com.

En la década de 1990 y principios de la de 2000, las pinturas de Michael Ray Charles excavaron la fea historia de la juglaría anterior a la guerra con apropiaciones nerviosas de imágenes racistas ubicuas (los rostros grotescos y las sonrisas rictus de sambos y mamitas) y no siempre con una recepción apreciativa. Fue acusado de perpetuar dolorosos estereotipos cuando mucha gente hubiera preferido que permanecieran enterrados. Durante los últimos 20 años ha mostrado esporádicamente, sobre todo en Europa.

Las imágenes de la primera exposición de Charles en Nueva York desde entonces encuentran a un artista que aún emerge de ese pasado, pero con una apariencia más resbaladiza. Donde las representaciones degradantes de la actuación de juglares y la publicidad se replicaron a escala de confrontación, sin pestañear en su dureza, aquí su sabor amargo se mezcla con el ornamento. El busto de obsidiana brillante en "(Forever Free) Veni Vidi" (2002) se encuentra en un interior barroco ricamente decorado, un reconocimiento de las formas en que el racismo se suaviza en el trasfondo de la vida moderna.

Estas son pinturas contextualmente complejas, que incorporan ideas sobre la actuación (de género, raza, sexualidad) y la teatralidad de la identidad. Las caricaturas de rostros negros aún acechan en los lienzos, pero están aplastadas al estilo del arte callejero de pasta de trigo y empalmadas en bailarinas burlescas y dominatrices. Las figuras suelen estar a medio formar: rostros negros injertados en cuerpos blancos a los que les faltan extremidades o segmentos del torso, oscurecidos por máscaras gimp o africanas tachonadas con conchas de cauri, actuando en circos y mascaradas: una vertiginosa cascada de referencias históricas que revela la pesadilla de nuestra insaciable necesidad de extravagancia. Las metáforas pueden enredarse, pero la ecuación de Charles del racismo estadounidense con el entretenimiento es difícil de deshacer, una relación sadomasoquista que depende por igual del dolor y el placer. MAX LAKÍN

Will Heinrich escribe sobre nuevos desarrollos en el arte contemporáneo y anteriormente fue crítico de The New Yorker y The New York Observer. @willvheinrich

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